ARTinvestment

Константин Викторович Сутягин (род. 1964) «Лето в Москве» 2024 Холст, масло. 40 × 40 см Константин Сутягин — современный российский художник и литератор, участник более 100 персональных выставок в России и за рубежом, лауреат Новой Пушкинской премии (2015). Его работы находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Московского музея современного искусства и других ведущих институций. С 1997 года центральной темой творчества Сутягина является тема счастья, поставленная им в противовес «отлаженной индустрии по производству несчастья». Картина «Лето в Москве» продолжает эту линию, запечатлевая особое состояние столицы в летний сезон, когда город погружается в звенящую тишину, а время словно останавливается. На полотне изображён вид Елоховского проезда — почти не изменившийся за столетие уголок Москвы с усадьбой Воронцовой-Мухиной. Художник стремится уловить «миф города», ту патриархальную ауру старой Москвы, которую, по его словам, можно почувствовать, если не спешить и настроиться на её ритм. Живописная манера Сутягина — красочная, радостная, узнаваемая — через опыт всей культуры приходит к простоте, ясности и детской искренности, отличающим работы наивных художников. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Евгений Эдуардович Гороховский (1951–2021) «Вращается ли небо?» 2003 Холст, масло. 90 × 99,5 см Евгений Гороховский — один из основоположников отечественного фотореализма, художник, чьё творчество соединило гиперреалистическое изображение с метафизическим, концептуально насыщенным содержанием. Сын классика московского романтического концептуализма Эдуарда Гороховского, он создал собственный «штамм» живописи, в котором фотографическая цитата действительности становится отправной точкой для выявления потаённых смыслов. Его работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства и других ведущих собраниях. Картина «Вращается ли небо?» построена на сложном взаимодействии реалистического изображения и геометрического орнамента. Наложенный паттерн одновременно разделяет и объединяет нежные девичьи фигуры, создавая образ «параллельного» мира и зеркального «я». Вопрос, вынесенный в заглавие, превращает произведение в размышление о цикличности времени, о диалоге между человеком и космической бесконечностью. Художник, наследник авангарда и шестидесятников, оставляет пространство для тайны и полёта мысли, строя мост между видимым и незримым, между мгновением и вечностью. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Александр Давидович Древин (1889–1938) «Урал. Пейзаж с рекой» 1926–1928 Холст (сшит из двух частей), масло. 58,4 × 71 см Подтверждено экспертизой ВХНРЦ им. И.Э. Грабаря (№ 635, 2002) Александр Древин — один из лидеров русского авангарда 1920–1930-х годов, живописец, график, педагог. Участник Первой русской художественной выставки в Берлине (1922), учредитель Общества московских художников (1927). В 1938 году был репрессирован и расстрелян; реабилитирован посмертно. Его работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина и других крупнейших собраниях. Картина «Урал. Пейзаж с рекой» относится к уральскому циклу, созданному во время поездок 1926–1928 годов на реку Чусовую. Это не этюд, а попытка построить обобщённый образ пространства. Пространство организовано диагональю берега, уводящей вглубь; вода удерживает взгляд в движении, не давая ему закрепиться ни на одной точке. Плотный, корпусный красочный слой, лепной, почти скульптурный, — характерная черта уральских работ Древина. Холст сшит из двух частей, что говорит о полевых условиях работы и особом отношении мастера к материалу как к носителю живого следа. В середине 1920-х годов Древин вернулся к фигуративному искусству после периода абстракций, однако его живописное мышление сохранило беспредметную логику: натуру он воспринимал как повод для работы с пространством, светом и цветовой массой. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Михаил Александрович Врубель (1856–1910) «Ассириец» Скульптура 1890-х – 1920-х по модели М.А. Врубеля 1890-х Керамико-художественная гончарная мастерская «Абрамцево» Майолика. 19 × 11 × 12 см Подтверждено экспертизой ВХНРЦ им. И.Э. Грабаря (ЭФ-123, 2025) Михаил Врубель — крупнейший представитель русского модерна и символизма, виртуозный рисовальщик, живописец и скульптор, чьё творчество предвосхитило открытия авангарда. Его связь с будущим искусством была столь сильна, что Пабло Пикассо, увидев работы Врубеля в Париже в 1906 году, часами простаивал перед ними, а исследователи называют художника «кубистом до кубизма». Скульптура «Ассириец» — одна из первых работ, выполненных Врубелем в Абрамцевской гончарной мастерской в начале 1890-х годов. Образ возник под впечатлением от домашнего спектакля мамонтовского кружка «Царь Саул» (1890), где роль пророка Самуила исполнил молодой К.С. Алексеев — будущий Станиславский. Прическа и головной убор персонажа — фантазийный образ художника, а не историческая реконструкция. Врубеля притягивал пластический тип: властный, архаически монументальный. Темно-синяя кобальтовая глазурь — не декоративный акцент, а образная идея: Врубель первым в русской керамике обобщил скульптурную форму единым, отвлеченным от реальности цветом. Свободная манера лепки, угловатые объемы и округлые пряди волос создают пластический диалог, а лицо становится смысловым фокусом композиции. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Ефим Ефимович Волков (1844–1920) «Тихий вечер. Прогулка по берегу озера» 1901 Холст, масло. 48 × 80 см Подтверждено экспертизой ЦХЭ им. И.Е. Репина (№ 2890-1-23, 2023) Ефим Волков — один из наиболее значительных русских пейзажистов второй половины XIX века, академик живописи, действительный член Императорской Академии художеств, участник выставок Товарищества передвижных художественных выставок. Его творчество, отмеченное критиком В.В. Стасовым, посвящено лирическому, созерцательному образу русской природы. Картина «Тихий вечер. Прогулка по берегу озера» относится к позднему периоду творчества мастера. Композиция строится на сопоставлении плотной массы прибрежных деревьев и открытой светлой глади воды. Силуэт одинокой женской фигуры привносит в пейзаж элегическое, созерцательное начало. Колорит основан на тонких градациях зелёного, охристого и серебристо-серого. Линия склонённых над водой деревьев задаёт плавный, тягучий ритм, подчёркивая состояние статики и тишины. Живописная манера сочетает плотную проработку деталей на переднем плане с мягкими, почти тающими мазками в изображении отражений и далей. Работа экспонировалась на выставках ТПХВ и в Академии художеств (1902), хранится в частном собрании. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Александр Васильевич Гине (1830–1880) «Закат на реке» Третья четверть XIX века Холст, масло. 38 × 60,3 см Подтверждено экспертизой ЦХЭ им. И.Е. Репина (№ 3235-1-24, 2024) Александр Гине — русский пейзажист, академик Императорской Академии художеств, друг и соратник Ивана Шишкина. Вместе с ним он формировал реалистическое направление в отечественной пейзажной живописи, утверждая ценность неброской северной природы и её переходных состояний. Картина «Закат на реке» представляет собой характерный образец зрелого творчества мастера. Композиция строится вокруг водной глади, отражающей небо и свет закатного солнца, окружённой с обеих сторон высокими тенистыми деревьями. Симметричное построение и небольшой размер стаффажа создают впечатление простора. Колорит основан на гармонии охристых, розовых и зелёных тонов с акцентом на световые эффекты. Живописный язык Гине, сформированный под влиянием академической школы С.М. Воробьёва и совместных поездок с Шишкиным на Валаам, отличается вниманием к переходным состояниям природы и тонкой передачей световоздушной среды. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Станислав Юлианович Жуковский (1875–1944) «Лесное озеро» 1910 Холст, масло. 56,2 × 88 см Подтверждено экспертизой ЦХЭ им. И.Е. Репина (№ 2148-1-21, 2021) Станислав Жуковский — один из наиболее значительных русских пейзажистов рубежа XIX–XX веков, академик Императорской Академии художеств, ученик В.Д. Поленова и И.И. Левитана. Его творчество, соединившее лирическую традицию русской школы с приёмами импрессионизма, получило признание при жизни: работы приобретали П.М. Третьяков и Н.П. Рябушинский, художник был награждён медалями на Международных выставках в Мюнхене. Картина «Лесное озеро» написана в 1910 году, вероятно, в Тверской губернии, где Жуковский часто работал на пленэре — в усадьбах «Бережок», «Всесвятское» и «Островки» на озере Молдино. Композиция строится на сопоставлении плотной массы прибрежного леса и открытой водной глади. Художник передаёт конкретное состояние природы, варьируя освещение и колорит в каждом новом этюде, но сохраняя особую лирическую интонацию. Живописная манера сочетает свободу импрессионистического мазка с бережным отношением к натуре, унаследованным от школы Левитана. Работа принадлежит к числу наиболее характерных и музейно значимых произведений мастера. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Арсений Иванович Мещерский (1834–1902) «Горный пейзаж» 1873 Холст, масло. 59 × 45,8 см Подтверждено экспертизой ВХНРЦ им. И.Э. Грабаря (№ 381, 2025) Арсений Мещерский — выдающийся русский пейзажист, академик, профессор Императорской Академии художеств. Ученик Ф.А. Бруни, Т.А. Неффа и С.М. Воробьёва, он совершенствовал мастерство в Женеве под руководством Александра Калама. Его творчество, отмеченное высшими наградами и участием во Всемирных выставках, стало связующим звеном между романтическим пейзажем и реалистическими тенденциями передвижников. Картина «Горный пейзаж» создана в 1873 году — период творческого расцвета художника, когда его мастерство достигло баланса между академической строгостью и живым колористическим поиском. Композиция организована через мощный ритм вертикальных скальных масс, сжимающих русло горной реки и направляющих взгляд к озарённым солнцем вершинам. Художник работает не только цветом, но и фактурой, передавая плотность и структуру камня с почти геологической точностью. Контраст между затенённым первым планом и сияющими пиками создаёт глубокое воздушное пространство. Тончайшие переходы охристых и голубоватых оттенков объединяют ландшафт в цельную органичную композицию. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке. #аукцион

Виктор Павлович Дынников (1939–2005) «Модель» 2003 Виктор Дынников — один из самых самобытных отечественных живописцев последней трети ХХ века. Его творчество, сформировавшееся вне магистральных течений, строится на цветовой пластике и символической обобщённости форм. Палитра художника, сравнимая с «россыпью драгоценных камней», отличается фирменными тонами — «космическим синим», сиреневым, красным, чёрным. Дынников мыслил цветом, добиваясь качества его звучания от пепельно-сдержанной гаммы до предельно звучных аккордов. В портрете «Модель» художник следует традициям фовизма, отводя цвету исключительную формообразующую роль, и развивает их в собственном ключе. Он раскладывает натурное изображение до цветового ритма, подвластного лишь его сочетанию оттенков. Тёплый охристо-золотистый тон лица и волос вступает в противоборство с плотным чёрным силуэтом одежды и горячим красным фоном, создавая ощущение объёма при минимальной пластической проработке. Чуть вздёрнутый подбородок, скрещенные на груди руки и яркий, «бьющий» фон задают экспрессивное напряжение, формируя образ одновременно уязвимый и дерзкий. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Наталья Гурьевна Захарова «Архистратиг Михаил (Рублёв)» 2024 Единственный экземпляр Наталья Захарова — живописец, график и скульптор, чьё творчество соединяет традиции русской иконописи и расписной деревянной пластики. В 1998–1999 годах участвовала в воссоздании горельефов Храма Христа Спасителя в Москве. Её произведения, не имеющие церковного назначения, обращены к личному созерцанию и внутреннему утешению. Скульптура «Архистратиг Михаил (Рублёв)» создана по мотивам образа архангела кисти Андрея Рублёва. Художница не стремится к буквальному копированию, но сохраняет главное — кристальную ясность, чистоту и созерцательную глубину древнего образа. Фигура и одежды архангела точно воспроизводят иконографический источник, переведённый в объём. Архангел Михаил предстаёт не грозным воителем, а добрым ангелом-хранителем, что соответствует рублёвской традиции понимания добра как абсолютной, несоприкасаемой со злом силы. Работа выполнена в технике яичной темперы по левкасу с золочением. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Константин Алексеевич Коровин (1861–1939) «К вечеру. Пруд в Абрамцеве» Вторая половина 1880-х Холст, масло. 25,5 × 33 см Подтверждено экспертизой ЦХЭ им. И.Е. Репина (№ 1780-1-21, 2021) Провенанс: собрание И.К. Крайтора, друга и агента художника Публикация: Третьяковская галерея (2012, № 1(34), с. 80) Константин Коровин — выдающийся русский живописец, театральный художник, реформатор русского импрессионизма. Его творчество, сформировавшееся под влиянием В.Д. Поленова и С.И. Мамонтова, а затем — французских импрессионистов, определило новое направление в отечественной пейзажной живописи. Этюд «К вечеру. Пруд в Абрамцеве» относится к раннему периоду творчества художника, когда он, ещё не получив поддержки европейским искусством, интуитивно искал свой путь. Работа выполнена в манере a la prima — свободным, виртуозным движением кисти, с акцентом на цветовое и экспрессивное решение, без предварительного рисунка. Такой подход в 1880-е годы сдерживался учителем Коровина В.Д. Поленовым, считавшим его недопустимой небрежностью. Этюд долгие годы находился в коллекции И.К. Крайтора и является редким образцом ранних импрессионистических поисков мастера, предвосхитивших его зрелый стиль. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Николай Петрович Крымов (1884–1958) «Летний пейзаж» 1912 Холст, масло. 51 × 64,3 см Подтверждено экспертизой ЦХЭ им. И.Е. Репина (№ 2270-1-22, 2022) Николай Крымов — один из наиболее значительных русских пейзажистов первой половины ХХ века, чьи работы ещё при жизни были признаны «классикой пейзажа». Участник выставок «Голубой розы» (1907), Союза русских художников, «Мира искусства», народный художник РСФСР, член-корреспондент Академии художеств СССР. Картина «Летний пейзаж» создана в 1912 году — период, когда художник разрабатывал собственные принципы тональной живописи, основанные на тонком ощущении световых отношений. Работа демонстрирует зрелый подход Крымова к передаче природы через правдивые отношения тонов и цвета. Композиционное решение и колористическая гамма характерны для творчества мастера 1910-х годов, сочетавшего влияние импрессионизма, символизма и классической пейзажной традиции. Произведение обладает музейной значимостью и является характерным образцом раннего зрелого периода художника. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Николай Егорович Сверчков (1817–1898) «Портрет комнатной собачки породы гриффон» 1885 Холст, масло. 71,3 × 58 см Подтверждено экспертизами ЦХЭ им. И.Е. Репина (№ 1191-1-19, 2019) и ГТГ (№ К 3392/16, 2001) Николай Сверчков — один из крупнейших русских анималистов второй половины XIX века, академик, профессор живописи. Его творчество, посвящённое лошадям, собакам, сценам охоты и крестьянского быта, пользовалось исключительным успехом при жизни и было отмечено заказами членов императорской фамилии. Картина «Портрет комнатной собачки породы гриффон» исполнена в 1885 году и содержит дарственную надпись журналисту П.А. Монтеверде. Композиция строится вокруг центральной фигуры собаки на фоне тёмной портьеры и декоративного интерьера. Контраст между золотисто-палевым тоном шерсти и глубоким синим фоном подчёркивает выразительность образа, а присутствие вазы и павлиньего пера придаёт работе парадность. Художник соединяет анималистическую точность с живописной цельностью, уделяя внимание среде, жесту и освещению. Индивидуальные портреты собак кисти Сверчкова — большая редкость, поскольку большинство из них находятся в музейных и частных собраниях. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Деметр Хараламб Чипарус (1886–1947) «Русские танцовщики» 1930-е Бронза, литье, полихромная патина, золочение, серебрение, покраска под слоновую кость, мрамор (подставка). 45 × 38 × 14 см Деметр Чипарус — один из ключевых мастеров эпохи ар-деко, создатель утонченной декоративной пластики, в которой соединились академическая школа и эстетика нового века. Его произведения стали визуальным воплощением роскоши, ритма и театральности 1920–30-х годов. Скульптурная композиция «Русские танцовщики» изображает звезд «Русских сезонов» — Вацлав Нижинский и Ида Рубинштейн — в костюмах Лев Самойлович Бакст к балету «Шахерезада». Фигуры объединены единым пластическим движением: жесты перекликаются, линии продолжают друг друга, создавая ощущение не застывшей формы, а продолжающегося танца. Скульптор словно «сжимает» движение, концентрируя в композиции энергию сцены. Особую выразительность работе придает полихромия: сочетание патинированной бронзы, золочения, серебрения и имитации слоновой кости формирует сложную декоративную поверхность. Контраст теплых и холодных оттенков, матовых и блестящих фактур усиливает драматургию образов и подчеркивает различие характеров — динамичный мужской импульс и сдержанную женскую пластичность. Композиция отражает ключевые черты художественного языка Чипаруса: вытянутые пропорции, ритмизованные силуэты и внимание к декоративной детали. Вдохновленный эстетикой «Русских сезонов» Сергей Дягилев, скульптор переносит сценическую экспрессию в материю бронзы, создавая образ, в котором сочетаются театральность, экзотика и строгая пластическая дисциплина. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Александр Порфирьевич Архипенко (1887–1964) «Натюрморт с графином» 1918 Картон, гуашь, графитный карандаш. 48 × 31,5 см (в свету) Александр Архипенко — один из ключевых новаторов европейского авангарда, художник, радикально переосмысливший природу формы и пространства. Его имя прочно связано с развитием кубистической пластики, однако сам он всегда подчеркивал независимость собственного художественного метода, в котором пространство стало равноправным элементом композиции. «Натюрморт с графином», созданный в 1918 году, относится к периоду активных формальных экспериментов мастера. В это время Архипенко разрабатывает принцип «скульптуро-живописи», стремясь объединить в едином произведении свойства плоскости, цвета и объема. Композиция работы строится не на традиционном изображении предметов, а на их аналитическом разложении и последующем синтезе. Предметы натюрморта сохраняют узнаваемость, но лишаются функциональной конкретности: форма возникает через сопоставление фрагментов, смещение плоскостей и ритм линий. Художник мыслит не объектами, а отношениями — между выпуклым и вогнутым, заполненным и пустым. Линия здесь играет конструктивную роль, не столько очерчивая контур, сколько формируя саму структуру изображения. Цветовая система произведения основана на взаимодействии теплых охристо-красных и холодных серо-голубых тонов, дополненных мягкими белыми и бежевыми оттенками. Поверхности насыщены штриховыми и точечными элементами, создающими ощущение фактурного богатства и материальности. Работа демонстрирует ключевой для Архипенко принцип: пространство не служит фоном, а становится активным участником композиции. Именно это новаторское понимание формы и пустоты сделало художника одной из центральных фигур искусства XX века. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Александр Евгеньевич Яковлев (1887–1938) «Торговка рыбой. Капри» 1928 Бумага на картоне, темпера. 75,8 × 56 см Александр Яковлев — один из ведущих мастеров русского искусства первой трети XX века, представитель неоакадемизма, чье творчество сочетает классическую выверенность формы и тонкое ощущение современности. В основе его метода — безупречный рисунок, пластическая ясность и стремление к завершенности образа. Работа «Торговка рыбой. Капри» относится к периоду зрелого стиля художника и отражает его интерес к средиземноморской культуре. Композиция строится на строгой пластике фигуры и уравновешенности формы, где линия играет конструктивную роль, а цвет подчинен объему. Темперная техника создает матовую, почти фресковую поверхность, усиливая ощущение монументальности и внутренней собранности образа. Картина была создана после путешествия художника по Италии, где он изучал античную живопись. Это влияние проявляется в смягчении графической жесткости и усилении живописного начала. Образ героини лишен бытовой случайности и приобретает обобщенный, почти внеисторический характер, соединяя наблюдение натуры с идеализацией формы. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) «Светлый праздник. Христосование на Пасху» 1919 Бумага (лист из двух частей), графитный карандаш. 28 × 34,6 см Борис Кустодиев — один из крупнейших мастеров русского искусства первой трети XX века, чье творчество связано с обновлением реалистической традиции. Его работы узнаваемы по декоративной насыщенности, яркости образов и вниманию к народной жизни — ярмаркам, праздникам, провинциальному быту, где реальность переплетается с художественным обобщением. Рисунок «Светлый праздник. Христосование на Пасху» относится к зрелому периоду мастера, когда его образный язык уже полностью сформирован. Композиция построена на трех планах: на переднем — три пары персонажей, каждая из которых разворачивает самостоятельную жанровую сцену; далее — пейзаж с прудом; на заднем плане — панорама провинциального города с храмами и весенней природой. Взаимодействие фигур раскрывает не только обряд, но и характеры, социальные роли и скрытые отношения между людьми. Работа выполнена подвижным, живым штрихом: множественные линии формируют объем в процессе самого рисования, создавая ощущение движения и пластического поиска. Контраст плотных темных силуэтов и легкой, почти воздушной проработки деталей задает ритм всему листу. Несмотря на камерный формат, композиция обладает внутренней монументальностью. Тема Пасхи проходит через все творчество Кустодиева; данный лист продолжает серию работ 1910-х годов, посвященных народным праздникам. Созданный в революционное время, рисунок фиксирует уходящий уклад жизни — не как документ эпохи, а как образ мира, наполненного жизненной энергией и личной памятью художника. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Станислав Юлианович Жуковский (1873–1944) «Март» 1913 Станислав Жуковский — один из ведущих мастеров русской пейзажной школы начала XX века, ученик В.Д. Поленова и И.И. Левитана, академик Императорской Академии художеств. Его работы, сочетающие традиции лирического пейзажа с приёмами импрессионизма, приобретались П.М. Третьяковым и Н.П. Рябушинским, что свидетельствует о раннем признании и высоком художественном масштабе мастера. Картина «Март» написана в 1913 году — период полной зрелости живописного языка Жуковского. Композиция строится на диагонали лесной тропы, уходящей в глубину, что создаёт ощущение пространственного движения. Колорит основан на контрасте холодных теней на снегу, тёмных силуэтов елей и солнечных вспышек света, объединённых прозрачной голубизной мартовского неба. Жуковский обогащает русский пейзаж импрессионистической свободой мазка и чуткостью к состоянию природы, сохраняя при этом ясность образа и лирическую цельность. Работа представляет художника в пору наивысшего расцвета и обладает музейной значимостью. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Сильвестр Феодосиевич Щедрин «Итальянский пейзаж» 1824 Холст, масло. 30 × 38 см Подтверждено экспертизой НИНЭ им. П.М. Третьякова (№ 12872-45, 2023) Провенанс: собрание М.Б. Бенедиктова, ГМИИ им. А.С. Пушкина, ГТГ, возвращён семье в 1957 году Сильвестр Щедрин — выдающийся русский пейзажист, один из основоположников романтического и реалистического пейзажа в России. Его итальянские работы ознаменовали переход от академической «сочинённости» к живому пленэрному восприятию природы, что определило развитие русской пейзажной школы на десятилетия вперёд. Картина «Итальянский пейзаж» написана в период творческого расцвета художника, в 1824 году. Композиция строится на диагональном движении дороги и ритме подпорной стены, увлекающих взгляд в глубину пространства. Колорит основан на серебристо-голубой гамме, свободной от академических «теплых тонов», которые Щедрин сознательно преодолевал в это время. Прозрачные тени, вибрирующий воздух, органичное включение стаффажных фигур в природную среду создают эффект открытого, лишённого театральности пространства. Работа принадлежит к числу лучших образцов итальянского цикла мастера, высоко ценимых самим автором и современниками. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Алексей Георгиевич Явленский «Натюрморт с цветущим растением» Около 1909 Холст, масло. 30 × 40 см Каталог-резоне: № 301 (Jawlensky, Pieroni-Jawlensky, Jawlensky, 1991) Экспонировалась в галерее «Школа», Москва (2010) Алексей Явленский — один из крупнейших мастеров русского авангарда, член объединений «Синий всадник» и «Новое мюнхенское художественное объединение». Его творчество, эволюционировавшее от импрессионизма и фовизма к экспрессивной абстракции и «ликам» медитативной концентрации, оказало определяющее влияние на развитие европейского модернизма. «Натюрморт с цветущим растением» создан в переломный для художника период, когда цвет становится главным носителем формы и эмоции. Композиция строится на открытом фронтальном пространстве: предметы занимают всю плоскость холста, интенсивный оранжево-красный стол превращается в равноправное живописное поле. Каждый цветовой акцент работает самостоятельно, в контрасте с соседним: голубой фон вибрирует вместе с оранжевым, создавая динамическое напряжение. Работа демонстрирует синтез фовистской цветовой интенсивности с личным экспрессивным началом, характерный для зрелого метода Явленского конца 1900-х годов. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион