ARTinvestment

Пётр Петрович Кончаловский (1876–1956) «Пейзаж. Огород» 1918 Холст, масло. 65,5 × 73 см Пётр Кончаловский — один из лидеров «Бубнового валета» и ключевых мастеров московского сезаннизма. Пройдя через увлечение импрессионизмом, Ван Гогом, Сезанном, фовизмом и кубизмом, художник выработал собственный язык, в котором цвет становится одним из главных средств построения формы и пространства. Кончаловский_Пейзаж. Огород «Пейзаж. Огород» написан в 1918 году — в поворотный момент, который исследователи называют началом периода «завоевания цвета и воздуха» в творчестве Кончаловского. Композицию удерживает высокая вертикаль подсолнухов, тогда как пространство сада раскрывается вправо и в глубину. Синие, зелёные и жёлтые пятна, положенные короткими мазками, формируют живую, почти мозаичную поверхность. Здесь ещё сохраняется плотность раннего сезаннистского периода, но она уже соединяется с более свободной передачей света, воздуха и движения природы. Кончаловский_Пейзаж. Огород Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Рихард-Карл Карлович Зоммер (1866–1939) «Остановка в пути» 1910–20-е Холст, масло. 48,8 × 76,8 см Рихард-Карл Зоммер — русский живописец и график, один из мастеров жанрово-этнографической живописи Средней Азии и Кавказа рубежа XIX–XX веков. Получив академическое образование в Петербурге, художник много путешествовал по Туркестану и Закавказью, изображая караваны, путников, базары, старые города и повседневную жизнь региона. Зоммер_Остановка_в_пути В «Остановке в пути» жанровая сцена становится частью масштабного природного пространства. Люди и животные собраны компактной группой в нижней части холста, тогда как большую часть композиции занимают речная долина, дальние холмы и высокое небо. Сдержанные зелёные, бурые и серо-голубые оттенки объединены мягким рассеянным светом, а красновато-коричневые детали повозки и одежды удерживают композиционный центр. Человеческая жизнь здесь не противопоставлена природе, а естественно включена в её спокойный и протяжённый ритм. Зоммер_Остановка_в_пути Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Эрик Владимирович Булатов (1933–2025) «Композиция. Тоннель» 1960-е (1964?) Холст, масло. 80,3 × 89,5 см Эрик Булатов — одна из ключевых фигур советского неофициального искусства второй половины XX века. Центральной проблемой его творчества стало взаимодействие плоскости картины и иллюзорного пространства. На формирование художника заметно повлияли общение с Робертом Фальком и теоретические идеи Владимира Фаворского. Булатов_Композиция_Тоннель «Композиция. Тоннель» относится к самому раннему и принципиально важному этапу самостоятельной живописи Булатова. На тёмном поле цепочка световых концентрических форм постепенно уменьшается, создавая ощущение стремительного движения в глубину. Здесь ещё нет знаменитых текстов и узнаваемых образов позднего Булатова, но уже сформулирована главная для него проблема: как сохранить ощущение реальной плоскости холста и одновременно открыть внутри неё пространство. Особенно важна близость работы к «Чёрному тоннелю» 1964 года — произведению того же круга ранних экспериментов художника. Булатов_Композиция_Тоннель Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Иван Яковлевич Билибин (1876–1942) «Тритон и наяда дразнят фавна» 1898 Холст, масло. 40 × 71 см Иван Билибин вошёл в историю искусства как создатель одного из самых узнаваемых стилей русской книжной графики. Однако «Тритон и наяда дразнят фавна» относится к совершенно иному, самому раннему этапу его творчества — времени, когда знаменитого «билибинского стиля» ещё не существовало, а молодой художник находился под впечатлением европейского символизма. Билибин_Тритон_и_наяда_дразнят_… Картина создана в 1898 году, когда Билибин занимался в мюнхенской мастерской Антона Ашбе, путешествовал по Европе и увлекался искусством Арнольда Бёклина и Франца фон Штука. Работа исполнена в гризайли — почти монохромной технике, где объём создаётся светотенью и тональными переходами. Здесь ещё нет ни знаменитой чёткой линии, ни орнаментальных рамок, ни ярких плоских цветовых пятен будущих сказочных иллюстраций. Перед нами редкий «Билибин до Билибина» — художник на пороге формирования собственного графического языка. Билибин_Тритон_и_наяда_дразнят_… Билибин_Тритон_и_наяда_дразнят_… Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Минас Карапетович Аветисян (1928–1975) «Осень. Джаджур» 1962 Холст, масло. 54 × 64,6 см Минас Аветисян — одна из ключевых фигур армянского искусства второй половины XX века. В его живописи опыт европейского модернизма соединяется с традициями средневековой армянской миниатюры: пространство становится условным, а насыщенный цвет превращается в самостоятельное средство выражения. Важным этапом признания художника стала знаменитая ереванская «Выставка пяти» 1962 года. Аветисян_Осень_Джаджур «Осень. Джаджур» создана в том же 1962 году, в один из важнейших периодов формирования индивидуального языка Минаса. Джаджур — родное село художника, к которому он неоднократно возвращался в своем творчестве. Здесь реальный пейзаж преобразован в систему крупных красных, охристых, жёлтых, зелёных и тёмно-синих пятен. Дорога направляет взгляд к плотной группе домов и природных форм, а цвет уже не подчиняется натуре, передавая прежде всего эмоциональное восприятие знакомого с детства места. Аветисян_Осень_Джаджур Аветисян_Осень_Джаджур Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Лев Смарагдович Чистовский (1902–1969) «Розы в голубой вазе» 1930–40-е Оргалит, масло. 24 × 19 см Лев Чистовский — русский художник эмиграции, представитель академической линии искусства русского зарубежья. Получив образование в России и Италии, с 1926 года он жил во Франции, участвовал в парижских салонах и последовательно сохранял верность классической фигуративной живописи в эпоху расцвета европейского модернизма. Цветочные натюрморты занимают особое место в наследии Чистовского. В 1930-е годы художник вместе с супругой Ириной Клестовой поселился в Сеневьере, где они выращивали цветы специально для работы с натуры. В «Розах в голубой вазе» крупные бутоны практически заполняют пространство картины и выступают из тёмного фона. Белые и розовые лепестки построены на тончайших переходах холодных и тёплых оттенков, а небольшая голубая ваза становится цветовым противовесом пышной массе цветов. Камерный формат особенно подчёркивает характерные для Чистовского точность рисунка и почти ювелирную тональную моделировку формы. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Константин Васильевич Худяков (1945–2026) «Купола в России кроют чистым золотом» 2025 Холст, ультрахромовая печать. 100 × 150 см. Тираж 3 экземпляра, экземпляр № 1 Константин Худяков — один из пионеров российского цифрового и мультимедийного искусства. В своих произведениях он соединял фотографию, компьютерную графику, 3D-технологии, виртуальную реальность и традиционные художественные образы, создавая многослойные композиции на границе реального и фантастического. «Купола в России кроют чистым золотом» вдохновлены романом Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита». Панорама Москвы с Храмом Христа Спасителя, собранная из десятков фотографий, соединяется с ирреальным перевёрнутым миром — пространством, в котором герои романа обретают покой. Название работы отсылает к песне Владимира Высоцкого «Купола», добавляя ещё один смысловой слой. Через узнаваемые образы Москвы, литературы и русской культуры Худяков размышляет о любви и искуплении, власти и ответственности, порядке и хаосе. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884–1967) «Пейзаж с водяной мельницей» Конец 1900-х — 1910-е Бумага верже с водяным знаком Ingres, графитный карандаш, гуашь, темпера. 44,7 × 60,7 см в свету Зинаида Серебрякова — одна из крупнейших русских художниц XX века, представительница знаменитой династии Бенуа — Лансере — Серебряковых. Основой её художественного метода на протяжении всей жизни оставалась работа с натуры: ясный рисунок сочетался с непосредственностью наблюдения и тонким чувством цвета. «Пейзаж с водяной мельницей» относится к раннему, дореволюционному периоду творчества Серебряковой. Композиция построена на контрасте тёмной массивной постройки слева и открытого светлого пространства справа. Землисто-лиловые оттенки дерева противопоставлены прохладной зелени и синеве листвы, а темпера и гуашь нанесены лёгкими сухими слоями, местами оставляющими видимой поверхность бумаги. Благодаря этому произведение сохраняет непосредственность натурного этюда — ощущение быстро и точно схваченного состояния природы. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Рубен Юрьевич Монахов (1970) «Красный вечер» 2024 Холст, масло. 60 × 94,7 см Рубен Монахов — современный петербургский художник, известный прежде всего городскими пейзажами. Одной из центральных тем его творчества стал Петербург — не парадный и открыточный, а увиденный через свет, цвет и личное ощущение города. Сам художник объединяет такие работы в созданный им жанр St. Petersburg Porn — своеобразное признание в любви Петербургу. В «Красном вечере» изображён Египетский мост через Фонтанку на Лермонтовском проспекте. Однако архитектурная достопримечательность становится лишь отправной точкой: детали растворяются в живописной среде, а главным героем оказывается вечерний свет. Розовеющие облака, лазурные просветы неба и отражения в воде превращают знакомый городской вид в эмоциональный образ Петербурга — города, который Монахов воспринимает прежде всего через собственное переживание момента. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Юлий Юльевич Клевер (1850–1924) «Зимний пейзаж с путником» 1896 Холст, масло. 67,5 × 107 см Юлий Клевер — один из самых известных русских пейзажистов последней трети XIX века, академик и профессор Императорской Академии художеств. Его романтические пейзажи принесли художнику широкую известность ещё при жизни, а узнаваемый язык строился на эффектном освещении, контрасте тщательно прописанного переднего плана и растворяющейся в дымке дали, причудливых деревьях и особом внимании к состояниям зимней природы. «Зимний пейзаж с путником» написан в 1896 году и воплощает характерный композиционный тип Клевера. Тяжёлая масса старых деревьев сосредоточена слева, тогда как пространство раскрывается вправо и постепенно уходит к постройке и размытой линии горизонта. Одинокая фигура путника подчёркивает масштаб и безмолвие зимнего пространства. Особенно важна фактура: рыхлый снег, рельефные стволы и тончайший рисунок заснеженных ветвей на переднем плане сменяются мягкой дымкой вдали. Согласно экспертному заключению, произведение исполнено самим Клевером, а не его мастерской, что существенно для работ художника этого периода. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Василий Васильевич Верещагин (1842–1904) «Портрет девушки в белом платке» Конец XIX — начало XX века Холст, масло. 41,5 × 30,5 см Василий Верещагин вошёл в историю русского искусства прежде всего как выдающийся баталист, однако портрет занимает особое место в его наследии. Многочисленные путешествия по Кавказу, Туркестану, Индии, Палестине, России и Японии сделали непосредственное наблюдение натуры основой его метода, а в изображении человека художника интересовали индивидуальность, характер и жизненный опыт модели. В «Портрете девушки в белом платке» практически отсутствует внешняя повествовательность — всё внимание сосредоточено на лице и взгляде героини. Овальный формат делает композицию особенно камерной, а белый платок, написанный множеством кремовых, сероватых и холодных оттенков, мягко связывает фигуру с тёмным фоном. Работа относится к менее известной портретной линии Верещагина, в которой документальная точность наблюдения соединяется с необычной для его знаменитых батальных циклов интимностью и теплотой. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Борис Израилевич Анисфельд (1878–1973) «Зима. Стони Пойнт» 1925 Холст, масло. 61,5 × 76,7 см Борис Анисфельд — русский живописец и сценограф, один из ярких колористов круга «Мира искусства». Сотрудничество с Сергеем Дягилевым и работа для театра во многом сформировали его художественный язык: пространство в произведениях Анисфельда часто строится через крупные цветовые пятна, выразительные силуэты и ритм, а цвет становится главным средством передачи эмоционального состояния. «Зима. Стони Пойнт» написана в 1925 году, уже после переезда художника в США. Стони-Пойнт на Гудзоне был хорошо знаком Анисфельду: здесь его семья проводила лето и выходные, а сам художник неоднократно обращался к местным пейзажам. В этой работе реальный зимний вид превращается в декоративно организованное пространство: снег написан протяженными голубыми и белыми пятнами, темные ветви образуют почти графический рисунок, а дальний план складывается из волнообразных цветовых полос. Так американский пейзаж соединяется с художественным языком, сформированным Анисфельдом еще в России. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Василий Николаевич Бакшеев (1862–1958) «Голубая весна» 1940–50-е Холст, масло. 54,3 × 70,3 см Василий Бакшеев — один из крупнейших мастеров русского лирического пейзажа первой половины XX века, ученик Алексея Саврасова, Василия Поленова и Владимира Маковского. Начав творческий путь в традиции передвижничества, со временем художник сосредоточился на пейзаже, стремясь передать не столько конкретный вид, сколько тонкое состояние природы. «Голубая весна» продолжает один из главных мотивов позднего творчества Бакшеева — пробуждение природы после зимы. Вертикали тонких берёз задают ритм композиции, а холодные голубые и сине-зелёные оттенки неба соединяются с охристыми и коричневыми тонами земли. Особую историю произведению придает сохранившаяся на обороте этикетка Учпедгиза: именно эта работа была утверждена для учебной репродукции и опубликована в 1960 году в пособии для проведения школьных бесед об искусстве. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Алексей Петрович Боголюбов (1824–1896) «Пять рисунков» Конец 1870-х — 1880-е Бумага, сепия, акварель. Пять графических листов. Алексей Боголюбов — один из крупнейших русских маринистов и пейзажистов XIX века. Морской офицер по первоначальному образованию и выпускник Императорской Академии художеств, он соединил академическую точность рисунка и глубокое знание моря с достижениями современной ему европейской пейзажной школы. В ансамбль входят пять камерных работ — «Лодочник», «Корабли в гавани», «На рейде», «В Венецианской лагуне» и «Башня замка». Созданные в поздний период творчества Боголюбова, они демонстрируют его свободную графическую манеру: несколько линий, прозрачных цветовых пятен и тональных переходов позволяют передать пространство, воду, воздух и состояние света. Эти небольшие листы были для художника не просто подготовительными набросками, а самостоятельными произведениями, в которых непосредственность натурного впечатления соединяется с мастерством опытного рисовальщика. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Икона «Святая Троица (Гостеприимство Авраама)» Русский Север. Конец XVII — начало XVIII века Дерево, левкас, темпера, листовой двойник. 103 × 86 × 3,8 см «Святая Троица (Гостеприимство Авраама)» — крупный храмовый образ, созданный на Русском Севере на рубеже XVII–XVIII веков. Иконография восходит к библейскому рассказу о явлении Аврааму трех ангелов. В отличие от лаконичного рублёвского извода, здесь сохраняется более древний повествовательный вариант: помимо центральной группы ангелов в композицию включены Авраам, Сарра и сцена приготовления трапезы. Три ангела образуют смысловой центр иконы, а архитектура, Мамврийский дуб и горки ритмически повторяют их вертикали. Характерные для северной иконописи условность пространства и ясность силуэтов здесь соединяются с более изысканной моделировкой ликов, золотыми разделками одежд и насыщенным красно-зелёным колоритом. Так в одном произведении встречаются архаическая северная традиция и декоративность искусства конца XVII столетия. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Виктор Пивоваров (1937) «Золотой фазан». Из серии «Темные комнаты» 1999 Холст, масло. 40 × 60,2 см Виктор Пивоваров — один из основателей московского концептуализма и, наряду с Ильёй Кабаковым, создатель жанра концептуального альбома. Опыт книжной иллюстрации во многом сформировал его художественный язык: отдельное изображение у Пивоварова часто становится частью воображаемого повествования, где смысл возникает из сочетания знаков, персонажей и намеренных смысловых разрывов. «Золотой фазан» относится к серии «Темные комнаты», создававшейся в 1999–2003 годах. Замкнутое пространство картины напоминает сцену сна или воспоминания: центральный образ приобретает почти монументальный масштаб, а окружающие эпизоды не складываются в однозначный сюжет. Сдержанная оливково-коричневая гамма и ясность контуров вступают в противоречие с нелогичным соотношением персонажей, создавая характерное для Пивоварова ощущение психологической тревоги и недосказанности. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Надежда Владимировна Косинская (1981) «Портрет со стикерами» 2022 Фанера, акрил, эпоксидная смола, стикеры, гвозди, скобы, ассамбляж. 100 × 75 см Надежда Косинская — современная художница, работающая на пересечении живописи и ассамбляжа. В своих произведениях она соединяет традиционные художественные техники с металлом, текстилем и бытовыми материалами, обращаясь к темам одиночества, внутренней изоляции и существования человека в пространстве современного города. «Портрет со стикерами» продолжает серию абстрактных портретов художницы. Фигура словно укутана в тяжелую броню из сотен металлических гвоздей, тогда как почти белый фон заполнен яркими детскими стикерами. Этот контраст противопоставляет закрытый внутренний мир героя шумному и поверхностному пространству вокруг него. Полупрозрачные лицо и руки кажутся почти нематериальными, а сам образ превращается в размышление об одиночестве в толпе и попытке сохранить собственное «я» за множеством навязанных социальных образов. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Александра Александровна Грановская (2000) «Обезличенная». Из серии «Надежда сквозь тревогу» 2026 Холст, масло. 120 × 100 см Александра Грановская — современная мультимедийная художница, работающая с живописью, графикой и видео-артом. В своих произведениях она исследует внутренние кризисы, тревожность и самоощущение современного человека, соединяя классическую масляную живопись с образами, первоначально созданными с помощью цифровых технологий. В картине «Обезличенная» художница обращается к романтизации тревожности в современной массовой культуре и социальных сетях. Персонаж показан со спины и лишен индивидуальных черт: строгий темный костюм контрастирует с нежными весенними цветами в волосах. За внешней обезличенностью скрывается внутреннее противоречие между социальной ролью и живым, уязвимым «я». Для Грановской этот образ становится размышлением о тревоге, дистанции и попытке сохранить собственную индивидуальность. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Борис Израилевич Анисфельд (1878–1973) «Натюрморт с женской фигурой» 1963 Холст, масло. 100 × 85 см Борис Анисфельд — живописец, график и сценограф, один из ярких колористов русского искусства начала XX века. Он участвовал в выставках «Мира искусства», работал с Сергеем Дягилевым и Михаилом Фокиным, а после переезда в США — с Metropolitan Opera и Чикагской оперой. Театральный опыт во многом определил его живопись: пространство у Анисфельда строится прежде всего через крупные цветовые массы, контрасты и ритм. «Натюрморт с женской фигурой» относится к позднему американскому периоду художника. Фигура женщины, букет и окружающие предметы здесь практически равноправны — они соединяются в единую декоративную композицию. К 1960-м письмо Анисфельда становится более свободным и экспрессивным: контуры теряют жесткость, мазок становится широким, а фон превращается в самостоятельное цветовое поле. При этом главным выразительным средством остается цвет — принцип, которому художник сохранял верность на протяжении всей жизни. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Станислав Юлианович Жуковский (1875–1944) «Беседка в Найдёновском парке зимой» Середина 1910-х Холст, масло. 79 × 107,5 см Станислав Жуковский — один из крупнейших мастеров русского лирического пейзажа Серебряного века, ученик Василия Поленова и Исаака Левитана. В 1910-е годы одной из главных тем его творчества становятся старинные усадьбы: парки, террасы и павильоны, в которых художник соединяет непосредственное наблюдение за природой с интересом к уходящей дворянской культуре. «Беседка в Найдёновском парке зимой» связана с работой Жуковского в усадьбе Усачёвых-Найдёновых. Почти фронтально изображенная ротонда становится центром композиции, однако смещенная дорожка, переплетения ветвей и темные массы кустарника нарушают строгую симметрию. Холодные плоскости снега, серо-охристый камень и темная растительность создают сдержанный зимний колорит. Работа опубликована в монографии Михаила Горелова «Станислав Юлианович Жуковский. Жизнь и творчество». Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион