ARTinvestment

Оскар Яковлевич Рабин (1928–2018) «Рубашка № 8» 1975 Холст, масло. 109,4 × 80 см Оскар Рабин — одна из ключевых фигур русского неофициального искусства второй половины XX века, лидер Лианозовской группы и один из организаторов Бульдозерной выставки 1974 года. К 1970-м его художественный язык был полностью сформирован: привычные бытовые предметы — бутылки, газеты, иконы, одежда — превращались в самостоятельную систему знаков, связанную с личным опытом художника и окружающей действительностью. «Рубашка № 8» написана в 1975 году и принадлежит к небольшому циклу «рубашек». В отличие от привычных многосоставных композиций Рабина, здесь почти полностью исчезает окружающая среда и остается единственный предмет. Плотная, шероховатая живописная поверхность делает рубашку почти телесной: она одновременно скрывает отсутствующего человека и становится его заменой. Так обыкновенная вещь превращается в самостоятельный образ человеческого присутствия. Работа была приобретена непосредственно у Рабина сотрудницей Венесуэльского посольства. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Дмитрий Петрович Плавинский (1937–2012) «Черепаха (Маленькая графитная черепаха)» 2008 Фанера, коллаж, песок, акрил, масло; крепление на шурупах. 97 × 72 × 1 см Дмитрий Плавинский — один из наиболее самобытных представителей московского неофициального искусства и создатель концепции «структурного символизма». В его произведениях соединяются элементы сюрреализма, православной иконографии, научного знания и размышлений о времени. Рыбы, черепахи, древние тексты и следы разрушенных цивилизаций становятся у художника частью единой системы символов. «Черепаха» создана в 2008 году и относится к позднему периоду творчества Плавинского. Древний образ черепахи художник трактует как символ устойчивости мироздания и вечности. Многослойный, почти графитный панцирь напоминает одновременно природную структуру и карту времени: кольца, трещины и рельеф поверхности воспринимаются как следы прожитых циклов и истории. Контраст тяжелой фактурной формы со светлым пространством вокруг нее превращает узнаваемый природный образ в философскую модель устройства мира. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

«Aufbruch aus Moskau» («Покидая Москву») 1990 Бумага, коллотипия, шелкография. 20 графических листов. Экземпляр № 32/100 «Покидая Москву» — коллективный графический проект, объединивший двадцать представителей московского неофициального искусства, среди которых Илья Кабаков, Эрик Булатов, Дмитрий Пригов, Гриша Брускин, Владимир Янкилевский, Иван Чуйков, Вадим Захаров и другие. Папка была выпущена немецкой мастерской Edition Domberger в 1990 году — в момент, когда художники, еще недавно существовавшие вне официальной советской системы, активно выходили на международную художественную сцену. Каждый из двадцати листов выполнен как самостоятельное произведение печатной графики в техниках шелкографии и коллотипии и подписан автором. Несмотря на различие художественных языков, работы объединяет интерес к знакам, текстам, советской символике и массовой культуре. Вместе они складываются в своеобразный групповой портрет московского искусства на рубеже эпох. Представленный экземпляр № 32 сохранился полным комплектом из двадцати листов в оригинальной издательской папке. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Антонис Ван Дейк (1599–1641) «Портрет Франса Снейдерса» 1630–1632 Бумага с водяным знаком, офорт. 25,7 × 16,7 см Антонис Ван Дейк — выдающийся фламандский живописец и гравер, ученик и соратник Питера Пауля Рубенса, впоследствии придворный художник английского короля Карла I. Изображенный им Франс Снейдерс — знаменитый фламандский мастер натюрморта и анималистической живописи, сотрудничавший с Рубенсом, Ван Дейком и Якобом Йордансом. Представленный офорт создавался для знаменитой «Иконографии» Ван Дейка — серии портретов выдающихся современников, оказавшей большое влияние на развитие европейской портретной гравюры. Особую ценность листу придает его раннее состояние: это II состояние из семи, где изображены только голова и плечи Снейдерса и уже присутствует латинская надпись. Ван Дейк собственноручно протравил портретную часть, тогда как фигура и фон появились лишь в более поздних состояниях. Оттиск выполнен на бумаге XVII века и относится к редким экземплярам, созданным до основного тиража «Иконографии». Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Алексей Алексеевич Харламов (1840–1925) «Девочка с виноградом и яблоками» 1890-е — 1900-е Холст, масло. 79,5 × 66 см Алексей Харламов — один из наиболее заметных русских живописцев второй половины XIX века, академик Императорской Академии художеств и мастер, добившийся широкого признания в Европе. Большую часть жизни он провел во Франции, где соединил традиции русской академической школы с эстетикой французской салонной живописи. Особую известность художнику принесли камерные портреты молодых женщин и девочек, отличающиеся тонким колоритом и мягкой поэтичностью образов. «Девочка с виноградом и яблоками» относится к характерным произведениям зрелого периода Харламова. Светлая фигура модели резко выделяется на фоне темных волос и нейтрального пространства, а основное внимание сосредоточено на тщательно написанных лице и руках. Виноград и яблоки дополняют камерный портрет элементами жанровой сцены, сохраняя главное — состояние самой героини. Свободно написанные ткани и фон контрастируют с тонкой моделировкой лица, демонстрируя характерное для Харламова соединение академического мастерства и живописной свободы. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Степан Фёдорович Колесников (1879–1955) «Первый снег» 1912 Картон, фанера, масло. 83 × 95,7 см Степан Колесников — один из крупных русских пейзажистов первой половины XX века, ученик Кириака Костанди, Ильи Репина, Александра Киселёва и Владимира Маковского. Соединив пленэрную традицию одесской школы с академической подготовкой, художник выработал узнаваемую манеру, основанную на крупных цветовых отношениях, свободном мазке и особом внимании к переходным состояниям природы — половодью, распутице, тающему и первому снегу. «Первый снег» написан в 1912 году — в период творческой зрелости молодого Колесникова и в год его первой персональной выставки в Петербурге. Диагональ дороги уводит взгляд к дальнему плану, стога удерживают центр композиции, а пятна снега и открытой земли создают живой ритм переднего плана. Художник избегает традиционной холодной гаммы зимнего пейзажа: охристые, фисташковые, зеленые, сиреневые и бирюзовые оттенки превращают первый снег в сложное цветовое состояние природы. Именно такие переходные моменты особенно интересовали Колесникова, которого современники называли «поэтом половодья, тающих снегов, тихих русских вод, русской распутицы». Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Николай Семёнович Самокиш (1860–1944) «Охота с гончими» Середина 1880-х — начало 1910-х Холст, масло. 70,5 × 102,5 см Николай Самокиш — один из крупнейших русских мастеров батальной и анималистической живописи рубежа XIX–XX веков. Ученик Богдана Виллевальде и парижского баталиста Эдуара Детайля, он виртуозно изображал животных в движении, прежде всего лошадей и собак. Академическая точность рисунка в его произведениях соединяется со свободной живописной манерой и исключительным чувством динамики. «Охота с гончими» принадлежит к важной линии дореволюционного творчества Самокиша. Центральная группа стремительно движущихся собак задает ритм всей композиции, который продолжают фигуры всадников и линии пейзажа. Белые и коричневые пятна гончих ярко выделяются на золотистом поле, а свободный широкий мазок усиливает ощущение скорости и мгновенности происходящего. Охотничий сюжет становится для Самокиша прежде всего возможностью исследовать пластику живого движения — скачок, рывок, поворот и то краткое мгновение, когда тело животного находится в максимальном напряжении. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Валерий Андреевич Мишин (1939) «Белая ночь» 2023 Бумага Lana, масляная пастель Sennelier, фиксатив матовый. 70 × 100 см Валерий Мишин — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, иллюстратор и автор объектов и инсталляций. В его творчестве особое место занимает Санкт-Петербург: городские пространства, архитектура и мосты становятся поводом для поэтического и философского осмысления привычной реальности. «Белая ночь» продолжает большой цикл петербургских образов художника. В центре композиции — мост Ломоносова через Фонтанку, одна из немногих переправ города, сохранивших исторический облик конца XVIII века. Массивные цепи старого разводного механизма возникают в контражуре и словно сопровождают одинокую фигуру человека, идущего по мосту. В холодном свете белой ночи знакомый городской мотив приобретает почти мистическое звучание, превращаясь в размышление о пути, времени и памяти города. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Александр Витальевич Захаров (1960) «Колибри» 2020 Бумага Hahnemühle German Etching, пигментная архивная печать. 76,7 × 76,7 см Александр Захаров — современный российский художник, признанный мастер миниатюры и различных техник печати. Одной из главных тем его творчества стал своеобразный «утерянный рай» детства — фантастический мир, населенный крошечными медведями, игрушками, животными и сказочными существами. Меняя привычный масштаб вещей, художник превращает повседневную реальность в пространство, где чудесное оказывается совсем рядом. В композиции «Колибри» огромные светлые бутоны роз окружают крошечного розового медвежонка, который протягивает кружку зависшей в воздухе птице. Захаров намеренно нарушает привычные пропорции: цветочный сад превращается в целую вселенную, а маленький персонаж становится проводником в этот фантазийный мир. Работа выполнена в разработанной художником печатной технике: первоначально Захаров создает миниатюру акрилом, а затем выпускает ограниченный тираж увеличенных изображений, позволяющий рассмотреть мельчайшие детали оригинала. Представленный лист является авторским экземпляром из дополнительного тиража пяти Artist Proof. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Андрей Николаевич Шильдер (1861–1919) «К ночи» 1917 Холст, масло. 88,5 × 104,5 см Андрей Шильдер — выдающийся мастер русского лирического пейзажа, ученик Ивана Шишкина и академик пейзажной живописи. Унаследовав от своего учителя точность рисунка и внимательное отношение к природе, к зрелому периоду художник пришел к более свободной живописной манере, тональным обобщениям и эмоциональному восприятию пейзажа. «К ночи» — одна из итоговых работ Шильдера, написанная за два года до его смерти и представленная в 1917 году на XLV выставке Товарищества передвижников. Пространство картины постепенно погружается в сумерки: светлые холодные оттенки неба и воды противопоставлены плотным темным силуэтам берега и хвойных деревьев. Художник отказывается от излишней детализации ради общего состояния природы — медленного угасания дня и наступления ночной тишины. В этой работе точность школы Шишкина соединяется с тонкой элегической интонацией позднего русского пейзажа. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке

Арсений Иванович Мещерский (1834–1902) «Крымский пейзаж. Парк» 1869 Холст, масло. 126 × 90 см Арсений Мещерский — выдающийся русский пейзажист XIX века, чье творчество развивалось под влиянием Дюссельдорфской школы и знаменитого швейцарского мастера Александра Калама. Получив академическую подготовку в Петербурге и продолжив обучение в Швейцарии, художник прославился технически совершенными пейзажами, в которых точность наблюдения соединялась с романтическим восприятием природы. «Крымский пейзаж. Парк» написан в 1869 году — в период, когда Мещерский активно путешествовал и обращался к природе Кавказа, Крыма и Европы. Для художника было принципиально важно передать не только узнаваемый вид, но и само ощущение природного пространства: глубину, свет, фактуру растительности и воздушную среду. Тщательная проработка деталей, унаследованная от Александра Калама, сочетается здесь с романтической выразительностью и характерным для Мещерского стремлением создать идеальный, почти поэтический образ природы. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке

Олег Николаевич Целков (1934–2021) «Со свечами на голове» 2000 Холст, масло. 70,4 × 35 см Олег Целков — один из ключевых художников русского неофициального искусства и создатель собственного мгновенно узнаваемого мира образов. Центральным персонажем его живописи стало обезличенное человеческое лицо-маска — одновременно гротескное, монументальное и тревожное. Через этот универсальный образ художник исследовал природу человека, коллективное сознание и скрывающиеся за внешней оболочкой первобытные инстинкты. В картине «Со свечами на голове» узнаваемая целковская фигура приобретает почти ритуальное звучание. Свечи, помещенные на голове персонажа, вступают в контраст с его массивным, лишенным индивидуальных черт обликом, превращая композицию в загадочный и намеренно неоднозначный образ. Работа занимает особое место в истории творчества художника: в 2004 году она была представлена на персональной выставке Олега Целкова в Государственной Третьяковской галерее. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке

Сергей Яковлевич Могилевский (1959) «Эпохи уходят, легенды остаются» 2025 Планшет МДФ, лак, эмаль, акрил, металл, пластик, гипс, игрушечные машинки, эпоксидная смола, ремень, фанера, ассамбляж. 80,5 × 60,2 × 6,5 см Сергей Могилевский — современный художник, работающий с живописью, арт-объектами, поп- и соц-артом. Его произведения часто превращаются в сложносочиненные «картины-истории», где реальные предметы, символы массовой культуры и фантазийные элементы складываются в самостоятельные художественные миры. «Эпохи уходят, легенды остаются» — ностальгический и ироничный оммаж эстетике российских 1990-х. Красный пиджак, массивная золотая цепь, барсетка, Mercedes-Benz и BMW предстают здесь не просто бытовыми деталями, а узнаваемыми символами статуса и успеха той эпохи. Используя язык поп-арта и ассамбляжа, Могилевский превращает эти атрибуты в своеобразную «капсулу времени», исследуя, как недавнее прошлое постепенно становится мифом, а его материальные символы — почти музейными артефактами. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке

Гоша Острецов (Георгий Викторович Острецов, 1967) «Триумфальная арка» 2024 Холст на картоне, акрил, трафарет, шпатель, дибонд. 85,8 × 61,5 см Гоша Острецов — одна из знаковых фигур московской художественной сцены, участник легендарного сквота «Детский сад». Его художественный язык сформировался на пересечении русского авангарда, поп-арта, комикса, моды и визуальной культуры «новой волны» 1980-х. Острецов свободно соединяет различные стили и образы, создавая многослойные композиции, напоминающие коллажи из нескольких реальностей. В «Триумфальной арке» художник обращается к геометрической абстракции и футуристической архитектуре. Нагромождение разнонаправленных плоскостей напоминает одновременно город будущего, архитектурный макет и знаменитые архитектоны Казимира Малевича. Контрастные желтые и оранжевые элементы придают композиции индустриальную энергию, а розовые и фиолетовые акценты усиливают ощущение искусственного, почти фантастического пространства. Острецов не изображает реальную триумфальную арку — он конструирует собственный «новый мир», в котором архитектура превращается в динамичную систему цвета, формы и движения. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке

Дмитрий Борисович Воронин (1959) «Спинорог» 2013 Дерево (амарант, ильм), алюминий. 29,5 × 41 × 14,7 см Дмитрий Воронин — скульптор-анималист и график, мастер деревянной скульптуры и работы с экзотическими породами древесины. Выпускник Строгановского училища, он соединяет внимательное изучение животного мира с лаконичной декоративной пластикой. Работы художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Дарвиновского музея и других музейных и частных коллекциях. В скульптуре «Спинорог» Воронин обращается к образу необычной тропической рыбы, соединяя теплую фактуру дерева с холодным алюминием. Чередование разноцветного шпона и инкрустации передает характерную окраску спинорога, а амарант — экзотическая древесина, известная как «пурпурное сердце», — придает объекту глубокие фиолетово-коричневые оттенки. Точная конструкция и минималистичная пластика не просто воспроизводят внешний вид рыбы, а превращают природную форму в самостоятельный декоративный объект. «Спинорог» существует в единственном экземпляре. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке

От картона до произведения искусства — методика создания лаковой шкатулки В основе шкатулки — папье-маше. Слои картона склеивают, прессуют, сушат и пропитывают горячим льняным маслом, благодаря чему материал становится плотным и прочным. Затем формируют корпус и крышку, грунтуют, шлифуют и многократно покрывают лаком. Только после этого начинается роспись. В Палехе, Мстёре и Холуе мастера работают темперой и золотом, которое полируют агатом или традиционным волчьим зубом. В Федоскино используют масляные краски и прозрачные лессировки, а под живопись могут подкладывать перламутр, золото или металлический порошок — отсюда знаменитый эффект внутреннего свечения. После росписи шкатулку снова покрывают лаком, шлифуют и полируют до зеркального блеска. Поэтому за небольшой миниатюрой скрываются десятки ручных операций и месяцы работы мастера. Поэтому лаковая шкатулка — не просто сувенир «с росписью». Это медленно созданный художественный мир. Вещь, в которой заключены месяцы труда. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Три шкатулки Холуя Холуй — самый молодой из четырёх главных центров русской лаковой миниатюры, выросший из старинной владимиро-суздальской иконописной традиции. Мастера работают на папье-маше яичной темперой, используют многослойную живопись, творёное золото и покрывают готовую роспись лаком. Художественный язык Холуя занимает особое положение между другими школами: он более реалистичен и повествователен, чем декоративный Палех, но сохраняет большую условность, чем Федоскино. От Мстёры его отличают более крупные фигуры, лаконичные композиции, выразительный силуэт и активное использование тёмного лакового фона. 01:25 Алексей Петрович Шубин (1952) «Подвиг» [1970-е] Папье-маше, лак, темпера, творёное золото. 4 × 16,7 × 13,5 см «Подвиг» представляет героическую линию холуйского искусства, в которой традиционный язык иконописи используется для изображения событий XX века. Вся композиция подчинена одной стремительной диагонали: фигура бойца буквально пронзает пространство, а её движение продолжают развевающийся плащ, лучи взрыва и клубы дыма. Удлинённые пропорции героя и ломкие складки одежды напоминают иконописные образы, однако вместо спокойной повествовательности здесь возникает почти плакатная энергия. Особенно выразителен колорит: черный лак переходит в багровые и оранжево-золотые оттенки, а высветленная фигура бойца словно вспыхивает на фоне окружающей темноты. 01:42 А. Чугунов «За невестой» [1970–1980-е] Папье-маше, темпера, золочение, покровный лак. 3,5 × 6,3 × 15 см «За невестой» построена в необычном для лаковой миниатюры вертикальном формате. В одном пространстве художник соединяет несколько эпизодов: в верхней части композиции господствует стремительная диагональ движения, тогда как нижняя сцена развивается медленно и почти церемониально. Этот принцип одновременного изображения разных моментов истории восходит к древнерусской иконописи. Черный лак превращается в пространство ночи, из которого возникают фигуры и архитектура, а цвет строится на характерном для Холуя противопоставлении теплых песочно-оранжевых и холодных сине-зеленых оттенков. Светлый силуэт коня особенно резко выступает из темноты, усиливая сказочность и динамику всей сцены. 02:07 Потемкин «Жар-птица» Папье-маше, темпера, золочение, покровный глянцевый лак. 2,5 × 16,6 × 7,5 см В «Жар-птице» мастер отказывается от привычного черного фона и выбирает глубокий вишнево-красный лак, благодаря чему всё пространство шкатулки кажется наполненным внутренним огнём. Композиция построена на встречном движении двух фигур: с одной стороны — устремлённый вперёд герой, с другой — огромный распахнутый веер хвоста Жар-птицы. Оранжевые и киноварные перья почти сливаются с фоном, словно птица возникает непосредственно из раскалённой глубины лака. Творёное золото подчеркивает перья, травы и отдельные детали, создавая мерцающий ритм. Знакомый сказочный образ здесь становится прежде всего эффектным экспериментом с цветом, светом и самой поверхностью лаковой миниатюры. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Три шкатулки Федоскино Федоскино — старейший из четырёх центров русской лаковой миниатюры, история которого начинается в конце XVIII века. Его главное отличие от Палеха, Мстёры и Холуя — техника живописи: федоскинские мастера работают не темперой, а масляными красками, используя многослойные лессировки, светотеневую моделировку и воздушную перспективу. Особый эффект создаёт знаменитое письмо «по-сквозному»: под прозрачные слои краски помещают металлический порошок, сусальное золото, серебро или перламутр, благодаря чему изображение словно светится изнутри. Такая техника делает миниатюру близкой к станковой живописи, сохраняя при этом драгоценность и камерность лакового искусства. 01:17 Пётр Николаевич Давыдов (1919–1995) «Пара в тройке. Зима. Ночь» 1961 Папье-маше, металлический порошок, масло, покровный лак. 5,5 × 19 × 9,6 см «Пара в тройке. Зима. Ночь» обращается к одному из самых узнаваемых сюжетов Федоскино — стремительно несущейся русской тройке. Этот мотив появился в лукутинской традиции ещё в XIX веке и впоследствии стал своеобразной визитной карточкой промысла. Давыдов строит композицию на контрасте почти чёрного ночного неба и теплой золотистой дороги, уходящей в глубину. Благодаря металлическому подслою снег приобретает внутреннее свечение, а тщательно выписанные упряжь, полозья и резная часть саней подчеркивают виртуозность миниатюрной работы. Динамика тройки и мерцающее пространство зимней ночи превращают небольшой предмет в почти кинематографическую сцену движения. 01:39 Пётр Николаевич Пучков (1932–2022) «Дом Пашкова» 1951 Папье-маше, масло, покровный лак. 8,9 × 19 × 17,7 см «Дом Пашкова» — ранняя работа Петра Пучкова, впоследствии народного художника России и одного из мастеров архитектурного пейзажа Федоскино. На крышке изображён знаменитый московский особняк на Ваганьковском холме, рядом с которым появляется надземное сооружение станции метро «Библиотека имени Ленина». Сочетание исторической и современной для 1950-х архитектуры превращает миниатюру в своеобразный портрет Москвы своей эпохи. Работа выполнена с использованием письма «по-сквозному»: металлическая подкладка просвечивает через красочные слои, заставляя золотистые фасады и колонны словно излучать собственный свет. Особенно интересно, что уже в этой работе, созданной всего через два года после окончания Федоскинской школы, проявилась главная тема дальнейшего творчества Пучкова — архитектурный образ Москвы. 01:58 Бугрова «Девушка с корзинкой винограда» 1957 Папье-маше, металлический порошок, масло, покровный лак. 5 × 11,4 × 15,5 см «Девушка с корзинкой винограда» построена по классическому для Федоскино принципу: одиночная фигура словно возникает из глубины чёрного лака. Свет концентрируется в центре композиции, на фигуре героини и теплом охристом пятне земли, а к краям постепенно растворяется вместе с листвой и травами. Киноварно-красные, синие и белые детали костюма контрастируют с приглушенной зеленью, создавая ясный и насыщенный цветовой строй. Сюжет сбора винограда характерен для послевоенного периода, когда традиционный репертуар Федоскино расширился мотивами южных республик, урожая и изобилия. Здесь особенно хорошо заметна специфика федоскинской школы: фигура не превращается в декоративный знак, а сохраняет объем и реалистическую убедительность, возникая из черного пространства благодаря тонкой работе со светом, цветом и лессировками. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Четыре шкатулки Палеха Палехская лаковая миниатюра возникла в 1920-е годы как продолжение многовековой местной иконописной школы. Бывшие иконописцы перенесли привычные приемы на небольшие изделия из папье-маше, расписывая их яичной темперой и творёным золотом. Главная отличительная черта Палеха — глубокий черный лаковый фон, на котором особенно ярко звучат насыщенные краски и тончайшие золотые линии. В отличие от светлой, пейзажной Мстёры, Палех тяготеет к условному черному пространству, вытянутым фигурам, сложным многофигурным композициям и особому внутреннему свечению цвета, достигаемому благодаря многослойной технике плави. ▪️Александр Яковлевич Макаров (1900–1943) «Бой Руслана с головой» 1940 Папье-маше, черный лак, темпера, золочение. 2 × 9,8 × 7,9 см Миниатюра обращается к одному из самых зрелищных эпизодов пушкинской поэмы «Руслан и Людмила»: богатырь встречает исполинскую живую Голову, поставленную стеречь волшебный меч. Макаров превращает сцену в напряженное столкновение движения и неподвижности — огненно-рыжий конь несется вперед, Руслан заносит оружие, а монументальная Голова возвышается над разбросанными костями. Черный фон усиливает драматизм, а золото, тонкая проработка деталей и плавь соединяют сказочный сюжет с традициями древнерусской иконописи. Работа создана в последний предвоенный период творчества Макарова — ученика одного из основоположников палехской миниатюры Ивана Голикова. ▪️Маргарита Николаевна Голубева (1930) «Гуси-лебеди» 1962 Папье-маше, темпера, золочение, покровный лак. 4,4 × 12,8 × 12,7 см В основе шкатулки — одна из самых узнаваемых русских народных сказок: история девочки, отправившейся через дремучий лес спасать младшего брата, похищенного гусями-лебедями. Черный лак здесь превращается в условное сказочное пространство, из которого особенно ярко выступают зеленые кроны, оранжево-красные одежды персонажей и светлые силуэты летящих птиц. Голубева принадлежит ко второму поколению мастеров Палеха, и соединение фольклорного сюжета с традиционными приемами плави, роскрыши и золотного письма делает эту работу характерным примером развития промысла во второй половине XX века. ▪️Галина Васильевна Кузьменко (1948) «Танец Солнцу» 1991 Папье-маше, темпера, золочение, покровный лак. 2 × Ø 10 см Круглая форма пудреницы становится частью художественного замысла: фигуры образуют хоровод, повторяющий очертания солнечного диска, а над ними возникает антропоморфное Солнце с золотисто-оранжевым ликом. Это не иллюстрация конкретного произведения, а собирательный фольклорный образ, связанный с солярной символикой, плодородием и единением человека с природой. Семь персонажей среди деревьев и трав образуют единое движение, а лучи Солнца связывают небесный и земной миры. Глубокий винно-коричневый фон заставляет желтые, красные, зеленые тона и золото буквально светиться, превращая сцену народного праздника в декоративный символ жизненной энергии. ▪️Николай Павлович Лопатин (1947–2016) «Золотая рыбка» 1992 Папье-маше, темпера, золочение, покровный лак. 2,9 × Ø 10 см На круглой крышке пудреницы эпизоды пушкинской «Сказки о рыбаке и рыбке» существуют одновременно и объединяются непрерывным круговым движением — принципом, восходящим к клеймам древнерусской иконы. Черный фон не обозначает конкретного пространства, а заставляет киноварно-оранжевые одежды, золотистые деревья, камни и волны звучать особенно насыщенно. Золото используется очень точно: оно подчеркивает складки одежд, ветви, гребни волн и направляет взгляд по композиции. Пушкинская тема занимала важное место в творчестве Николая Лопатина — заслуженного художника России и представителя поколения, определившего облик палехского искусства последней четверти XX века. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Три шкатулки Мстёры Мстёра — один из главных центров русской лаковой миниатюры, выросший из многовековой традиции иконописи. Шкатулки создают из папье-маше, покрывают лаком и расписывают яичной темперой, сохраняя иконописные приемы — плави, тончайшие белильные оживки и работу творёным золотом. От Палеха и Холуя Мстёру отличает прежде всего светлая основа живописи: действие обычно разворачивается не на сплошном черном фоне, а среди пейзажей с небом, далями и мягкими цветовыми переходами. Композиции при этом отличаются многоплановостью и характерной «ковровостью» — обилием фигур, растительных мотивов и мельчайших деталей. 01:05 Александр Дмитриевич Щадрин (1925–1987) «Вечер на хуторе пасечника Рудого Панько» 1954 Папье-маше, лак, темпера, живопись. 6,1 × 21 × 12,9 см Литературной основой шкатулки стал гоголевский цикл «Вечера на хуторе близ Диканьки», рассказчиком которого выступает вымышленный пасечник Рудый Панько. Щадрин обращается не к конкретному драматическому эпизоду, а к самой атмосфере гоголевского мира — вечерней беседе, народному быту и тому пограничному состоянию, где реальность естественно соседствует с фантастикой. Пространство развивается от переднего плана к дальнему через несколько предметных и пейзажных ярусов, позволяя вместить множество повествовательных деталей. Золотой растительный орнамент замыкает композицию, превращая литературный сюжет в цельный, камерный и поэтически одухотворённый образ. 01:27 Николай Григорьевич Дмитриев (1916–1991) «Бесы» Папье-маше, лак, темпера, живопись. 5,3 × 17,8 × 12,7 см В «Бесах» спокойная повествовательность, характерная для Мстёры, неожиданно уступает место настоящей стихии. Композиция построена как непрерывный вихрь: фигуры, завитки и дуги устремляются навстречу друг другу, создавая ощущение движения по всей поверхности крышки. Светящиеся охры и киноварь сталкиваются с холодными зеленовато-бирюзовыми оттенками, а тонкие белильные оживки и дробная работа кистью выдают иконописную основу техники мастера. Автор шкатулки Николай Дмитриев был одним из художников, определивших облик мстёрского промысла второй половины XX века, и сам особенно высоко ценил эмоциональную силу линии. В «Бесах» именно линия становится главным действующим лицом — закручивает пространство и превращает изображение в единый напряжённый поток. 01:54 Неизвестный художник. «Шемаханская царица» Папье-маше, лак, темпера, живопись. 3,9 × 17,8 × 10,5 см Сюжет «Шемаханской царицы» восходит к пушкинской «Сказке о золотом петушке» — одному из литературно-сказочных мотивов, особенно подходивших декоративному языку Мстёры. Композиция разворачивается подобно фризу: слева отряд всадников движется от крепости через условный пейзаж, а справа у шатра появляется одинокая фигура царицы. Золотисто-охристые, оранжевые и зеленые тона соединяются с холодными синими акцентами, а горки, деревья, архитектура и фигуры располагаются ярусами, создавая сказочное пространство вне привычной линейной перспективы. Восточный антураж, фантастическая архитектура и насыщенный орнамент позволяют превратить пушкинский сюжет в декоративный мир, где повествование и узор существуют как единое целое. Ознакомиться с другими работами автора, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион