ARTinvestment

Павел Моралес (Павел Владимирович Кутелев, 1965) «Слово и дело» Стерео-лайт-панель. 78,5 × 108,7 × 4,3 см Павел Моралес — современный художник, работающий с иммерсивными стерео-композициями. В авторском методе он объединяет элементы живописи, скульптуры и цифровой эстетики, используя свет, глубину, симметрию и оптические иллюзии. Плоское изображение превращается в многомерное пространство, рассчитанное на непосредственное визуальное взаимодействие со зрителем. «Слово и дело» построено как метафора перехода от идеи к её практическому воплощению. Образ Карла Маркса становится источником идеи, тогда как паровоз символизирует индустриальную мощь и движение истории, которое, однажды начавшись, уже невозможно остановить словом. Таким образом, историческая аллюзия превращается в размышление об ответственности мыслителя за последствия собственных концепций и о том, как абстрактная идея способна менять реальность. Работа происходит из собрания семьи художника. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Дамир Кривенко (1970), Владимир Порублёв (1959–2026) «Брейгель XXI в. (@.com)» 2026 Холст, масло, компьютерная плата. 118,3 × 162,5 см Дамир Кривенко — современный художник, создатель собственного направления «палитризм», работающий на пересечении фигуративной живописи, абстракции и необычных материалов. В совместной работе с Владимиром Порублёвым классическое изображение становится основой для разговора о современности, цифровой культуре и месте человека в технологическом мире. «Брейгель XXI в. (@.com)» обращается к знаменитым «Охотникам на снегу» Питера Брейгеля Старшего 1565 года, практически точно воспроизводя композицию и размер оригинала. Однако в классический пейзаж авторы внедряют символ @ и фрагменты компьютерных плат, перенося сцену XVI века в пространство цифровой эпохи. Подобно спрятанным деталям самого Брейгеля, современные элементы обнаруживаются не сразу. Оммаж старому мастеру превращается в размышление о том, насколько изменилась человеческая жизнь за пять столетий — и что в ней осталось неизменным. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Сергей Арсеньевич Виноградов (1869–1938) «Летний день» Вторая половина 1930-х Холст, масло. 45 × 53,5 см Сергей Виноградов — один из заметных мастеров русского искусства рубежа XIX–XX веков, один из учредителей Союза русских художников и характерных представителей русского импрессионизма. От передвижнической традиции он пришёл к свободной пленэрной живописи, построенной на тонких цветовых отношениях и передаче света и воздуха. Современники не случайно называли его «мастером солнечного света». «Летний день» относится к позднему латвийскому периоду Виноградова. Массивная деревянная постройка задаёт основной ритм композиции, а небольшая человеческая фигура и дальний план сохраняют ощущение пространства. Холодные голубовато-серые и лиловые оттенки соединяются с приглушённой зеленью и тёплыми охрами земли. В поздней живописи художника становится меньше декоративной интенсивности, а состояние природы передаётся через спокойные отношения больших цветовых масс. Работа обладает документированным провенансом: она происходила из собрания латышского искусствоведа и коллекционера Зиедониса Лигерса и неоднократно выставлялась на международных аукционах. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Василий Васильевич Переплётчиков (1863–1918) «Селение Лахта. На берегу озера» 1914 Холст, масло. 62 × 131 см Василий Переплётчиков — один из заметных мастеров русского пейзажа рубежа XIX–XX веков, связанный с московской школой и Союзом русских художников. Он учился у Ивана Шишкина и Василия Поленова, работал рядом с Исааком Левитаном, Константином Коровиным и Сергеем Виноградовым. Особое место в его творчестве занял Русский Север, куда художник ежегодно отправлялся с 1902 года. «Селение Лахта. На берегу озера» написано в 1914 году — в последний год двенадцатилетнего периода северных путешествий Переплётчикова. Широкий горизонтальный формат объединяет низкий берег, водную гладь и высокое небо в спокойное, почти монументальное пространство. Приглушённые зеленовато-коричневые, серо-голубые и охристые оттенки передают сдержанный характер северной природы. Детали здесь уступают место ощущению масштаба, воздуха и тишины — тому образу Севера, который художник формировал на протяжении более чем десятилетия. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Владимир Борисович Янкилевский (1938–2018) «Take a Train V (Поезд V)». Триптих 1992 Холст на планшете, масло, ассамбляж, оргалит, металлическая буква «С», шурупы. 201 × 456,9 см Владимир Янкилевский — один из ключевых художников советского нонконформизма. Триптих стал центральной формой его искусства: соединяя живопись, рельеф, фигуративные и абстрактные элементы, художник исследовал отношения человека и окружающего пространства, телесного и психологического, внутреннего и внешнего мира. Монументальный «Поезд V» относится к циклу Take a Train, созданному после переезда Янкилевского в Нью-Йорк. Ритм мегаполиса и впечатления от метро здесь превращаются в почти абстрактную систему вертикалей, прорезей, диагоналей и биоморфных форм. Название цикла отсылает к джазовому стандарту Take the “A” Train, а движение поезда становится метафорой существования человека внутри непрерывного городского потока. В 1992 году триптих был представлен на персональной выставке Янкилевского в парижской Galerie Le Monde de l’Art и опубликован в её каталоге. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Владимир Дубосарский «Любимчик» 2017 Владимир Дубосарский — один из ключевых художников поколения, сформировавшего российское искусство 1990–2000-х годов. Международную известность ему принёс двадцатилетний творческий союз с Александром Виноградовым: их масштабная живопись соединяла язык советской тематической картины с визуальной культурой новой России. После завершения совместной работы в 2014 году Дубосарский начал самостоятельный этап, сделав живописный язык значительно свободнее. «Любимчик» относится именно к этому периоду. Сентиментальный, почти сказочный сюжет здесь сочетается с самостоятельной цветовой структурой: узнаваемое изображение соседствует с абстрактными полосами и свободным живописным жестом. Крупноформатная работа представляет уже сформировавшийся самостоятельный язык Дубосарского второй половины 2010-х годов. Важен и международный контекст творчества художника: его произведения демонстрировались на Венецианской биеннале, а работы появлялись на Sotheby's, Phillips и других крупных аукционных площадках. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Иван Иванович Шишкин (1832–1898) «С холма» («Подгорок») Конец XIX века Бумага на картоне, масло. 23,8 × 33,2 см Иван Шишкин — одна из ключевых фигур русской пейзажной живописи XIX века, академик, профессор и один из учредителей Товарищества передвижников. Основой его художественного метода была постоянная работа с натуры: каждое лето Шишкин создавал десятки этюдов, многие из которых воспринимал как самостоятельные законченные произведения. «С холма» относится к поздним натурным работам мастера. Вместо привычного лесного пространства перед зрителем раскрывается широкий вид с высокой точки: насыщенный зелёный передний план постепенно сменяется равниной, далёкой полосой земли и большим небом. Пространственная глубина создаётся не столько линейной перспективой, сколько постепенным ослаблением цвета и фактуры. Свободное письмо соединяется здесь с характерной для Шишкина точностью наблюдения, превращая небольшой этюд в цельный образ открытого русского пейзажа. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Олег Николаевич Целков (1934–2021) «В перчатке» 1997 Холст, масло. 100 × 100 см Олег Целков — один из ключевых мастеров московского неофициального искусства. Ещё в начале 1960-х он сформировал собственный тип «всеобщего портрета» — узнаваемое обезличенное лицо, которое должно было изображать не конкретного человека, а человека как такового. Этот образ оставался основой искусства Целкова на протяжении десятилетий, меняясь прежде всего через цвет, масштаб и живописную фактуру. «В перчатке» создана в 1997 году — в период особенно интенсивных колористических экспериментов художника. Почти всё пространство занимает массивная зелёно-бирюзовая фигура на фиолетово-синем фоне, а яркая красная перчатка становится главным цветовым акцентом и нарушает фронтальную симметрию композиции. Предмет здесь уже не является частью сюжета, а превращается в самостоятельный знак, создающий внутреннее напряжение. Работа происходит из собрания семьи и наследников художника и сопровождается сертификатом подлинности, подписанным вдовой Олега Целкова Антониной Целковой. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Алексей Алексеевич Харламов (1840–1925) «Девушка под вуалью» 1883 Бумага, акварель, графитный карандаш. 32 × 26 см Алексей Харламов — один из наиболее заметных русских художников, вошедших в художественную жизнь Парижа второй половины XIX века. Особое место в его творчестве занимают камерные женские образы — так называемые «головки», в которых академическая школа соединяется с тонкой работой со светом, цветом и идеализированным образом красоты. «Девушка под вуалью» обладает редкой документированной историей. 21 февраля 1883 года работа была подарена знаменитой пианистке Анне Есиповой-Лешетицкой в знак признательности за участие в концерте Общества русских художников в Париже. На паспарту сохранилось посвящение и автографы Алексея Боголюбова, Харламова, Юрия Лемана, Марка Антокольского, Александра Онегина и Ивана Тургенева. Благодаря этим надписям лист становится не только характерным женским образом Харламова, но и памятником русской художественной и литературной жизни Парижа конца XIX века. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Роберт Рафаилович Фальк (1886–1958) «Груши на столе» 1950 Оргалит, масло. 48,8 × 61,4 см Роберт Фальк — одна из ключевых фигур русского искусства первой половины XX века и один из основателей «Бубнового валета». В центре его живописного метода всегда находился цвет: именно через сложные отношения близких оттенков художник выстраивал форму, пространство и внутреннее состояние произведения. Особенно ярко этот принцип проявился в поздних натюрмортах Фалька. Фальк_Натюрморт «Груши на столе» написаны в 1950 году. Небольшая группа плодов образует почти непрерывную горизонталь на холодной сине-зелёной поверхности, а приглушённый коричнево-серый фон усиливает звучание зелёных, охристых и красноватых оттенков. Контуры намеренно смягчены: предметы словно возникают из окружающей красочной среды и одновременно растворяются в ней. Работа обладает примечательным провенансом — она находилась в коллекции Георгия Костаки, а в 1959 году была подарена им старшему брату Николаю Костаки и с тех пор сохранялась в семье. Фальк_Натюрморт Фальк_Натюрморт Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Семён Натанович Файбисович (1949) «Письмена (Прощание с Ясеневым)» 1985 Оргалит, масло. 170 × 100,5 см Семён Файбисович — один из наиболее заметных представителей русского фотореализма, сформировавших визуальный образ позднесоветской повседневности. Его интересовали не парадные сюжеты, а случайные фрагменты городской жизни — автобусы, метро, улицы, панельные дома и люди, в которых художник обнаруживал неожиданную выразительность и скрытые смыслы. «Письмена» появились из совершенно бытового наблюдения. На торце дома в Ясеневе, где жил художник, швы между некачественными панелями замазывали чёрным составом. Файбисович увидел в этих линиях «письмена неведомой цивилизации, прилетевшей из космоса». В картине привычная стена почти теряет архитектурную конкретность: холодная серо-синяя плоскость, вертикаль дома и чёрные линии превращаются в подобие неизвестного алфавита. Так один из самых обыденных элементов московской окраины становится загадочным посланием — примером характерной для Файбисовича способности обнаруживать необычное внутри повседневной реальности. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884–1967) «Портрет Моники и Фрэнсис Брауэр» 1935 Бумага на картоне, пастель. 48 × 63 см Зинаида Серебрякова — одна из крупнейших русских художниц XX века, представительница знаменитой династии Бенуа — Лансере — Серебряковых. Основой её искусства всегда оставались работа с натуры, ясность рисунка и внимание к индивидуальности модели. После переезда во Францию в 1924 году портрет стал одним из главных направлений её творчества. «Портрет Моники и Фрэнсис Брауэр» был написан в Брюсселе 14 марта 1935 года. Серебрякова отказывается от официальности двойного портрета: девочки приближены к зрителю, а игрушки на столе создают ощущение естественного, почти случайно увиденного момента. Лица проработаны особенно тщательно, тогда как одежда, фон и предметы намечены свободными штрихами пастели. Семья Брауэр занимала особое место в жизни художницы: поддержка барона Жана де Брауэра сделала возможной её первую поездку в Марокко, а позднее он заказал Серебряковой декоративные панно для своего бельгийского имения. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Оскар Яковлевич Рабин (1928–2018) «Московские чудотворцы» 1962 Холст, масло. 70,5 × 89,5 см Оскар Рабин — одна из ключевых фигур советского неофициального искусства и центральный художник Лианозовского круга. К началу 1960-х сформировался его узнаваемый художественный язык: деформированная архитектура, нарушенная перспектива, тяжёлые тёмные контуры и сдержанная палитра превращали привычную городскую среду в пространство личного переживания. «Московские чудотворцы» относятся именно к этому важному раннему периоду. Заснеженный городской пейзаж построен на столкновении неустойчивых архитектурных форм с прямоугольником иконного изображения. Тёплая, фронтальная и симметричная икона резко противопоставлена тёмному, словно покосившемуся пространству города. В одной композиции Рабин соединяет два мира — сакральный образ и повседневную московскую среду, превращая конкретный городской мотив в сложную систему знаков. Работа имеет документированный международный провенанс и ранее проходила через торги Cannes Encheres и MacDougall’s. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Дмитрий Петрович Плавинский (1937–2012) «Бабочка» 1966 Холст, масло. 100 × 74,5 см Дмитрий Плавинский — один из наиболее самобытных представителей московского нонконформизма. Собственное направление художник называл «структурным символизмом»: его интересовало соединение микро- и макромира, природных форм, древних знаков и культурных пластов в единую систему, где поверхность произведения становится своеобразным носителем памяти. «Бабочка» создана в 1966 году — в принципиально важный ранний период творчества Плавинского, когда его индивидуальный язык уже ясно определился. Природный образ здесь перестает быть обычным изображением с натуры и превращается в знак, словно проступающий из древнего слоя. Сдержанная землисто-серая гамма, рельефные складки и почти окаменевшая фактура создают ощущение археологической находки. Работа имеет документированный провенанс: она происходила из мастерской художника, а позднее неоднократно участвовала в торгах Christie’s, MacDougall’s и Sotheby’s. Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Анатолий Галактионович Петрицкий (1895–1964) «Солопий». Эскиз костюма к опере «Сорочинская ярмарка» 1925 Бумага, карандаш, гуашь, коллаж. 49,4 × 33 см Анатолий Петрицкий — живописец, график, сценограф и одна из ключевых фигур украинского авангарда 1920-х годов. В театральных работах он соединял конструктивистскую геометрию с яркой декоративностью народного искусства, воспринимая костюм не просто как одежду персонажа, а как самостоятельную пластическую форму, определяющую его движение на сцене. Петрицкий_Эскиз_костюма_Солопия… Эскиз создан для «Сорочинской ярмарки» — первой постановки Украинской государственной столичной оперы, открывшейся в Харькове в 1925 году. Фигура Солопия Черевика собрана из крупных геометрических форм: белого объёма шаровар, зелёного жупана, чёрных и серых плоскостей и ярко-красных сапог. Коллажные вставки передают фактуру ткани, а лицо решено почти гротескной маской. Лист одновременно служил рабочим эскизом для театральных мастерских и самостоятельным произведением авангардной графики. Петрицкий_Эскиз_костюма_Солопия… Петрицкий_Эскиз_костюма_Солопия… Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Тимофей Андреевич Нефф (1804–1876) «Портрет девушки в белом платье» 1840 Холст, масло. 52,4 × 35 см Тимофей Нефф — придворный художник Николая I и один из заметных мастеров русского академического искусства XIX века. Обучение в Дрездене и изучение итальянской живописи, прежде всего Рафаэля, сформировали его манеру, в которой точность академического рисунка соединяется с романтическим представлением о красоте и особым вниманием к цвету. Нефф_Портрет_девушки_в_белом_пл… В «Портрете девушки в белом платье» насыщенные красные драпировки обрамляют фигуру, а синие и зелёные оттенки уравновешивают композицию. Белое платье становится главным световым акцентом, связывающим тёплый тон кожи с приглушённым фоном. Индивидуальные черты модели сочетаются с характерной для Неффа идеализацией образа, а плавность линий и тщательно выстроенный колорит отражают особенности его искусства начала 1840-х годов. Работа происходит из собрания известной театральной семьи Яронов. Нефф_Портрет_девушки_в_белом_пл… Нефф_Портрет_девушки_в_белом_пл… Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Михаил Васильевич Нестеров (1862–1942) «Крестьянка в лаптях» 1910-е Холст на картоне, масло. 39 × 18,6 см Михаил Нестеров — один из ключевых русских художников рубежа XIX–XX веков, соединивший реалистическую школу передвижников с символистским пониманием образа. Человек в его произведениях становится частью более широкого размышления о духовной жизни и национальном характере, а натурное наблюдение соединяется с тем, что сам художник называл «опоэтизированным реализмом». Нестеров_Крестьянка_в_лаптях Нестеров_Крестьянка_в_лаптях «Крестьянка в лаптях» — этюд к одному из главных произведений Нестерова, монументальной картине «На Руси (Душа народа)», над которой он работал в 1914–1916 годах. Фигура почти полностью занимает узкий вертикальный формат, а нейтральный фон позволяет сосредоточиться на повороте головы, спокойном положении рук и тяжести одежды. Свободная, местами эскизная живопись сохраняет непосредственность натурного наблюдения: конкретная крестьянка здесь постепенно превращается в часть большого собирательного образа России. Этюд опубликован в каталоге-резоне Михаила Нестерова. Нестеров_Крестьянка_в_лаптях Нестеров_Крестьянка_в_лаптях Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Филипп Андреевич Малявин (1869–1940) «Бабы» 1924 Холст, масло. 46,3 × 61 см Филипп Малявин — один из самых узнаваемых русских живописцев рубежа XIX–XX веков. Его знаменитые образы русских крестьянок строятся на мощном движении цвета и свободном, размашистом мазке. Именно «красные бабы» принесли художнику европейскую известность, превратив традиционный крестьянский сюжет в яркую декоративную стихию. Малявин_Бабы «Бабы» написаны в 1924 году — в самом начале эмигрантского периода Малявина и в год его первой зарубежной персональной выставки в Париже. Пространство здесь почти исчезает: фигуры сближены и заполняют холст, превращаясь в единый красочный поток. Доминирующий красный оттенён вспышками зелёного, синего и жёлтого, а широкие мазки передают движение поющих и смеющихся женщин. Написанная уже вдали от России, картина сохраняет непосредственность и энергию тех крестьянских образов, которые стали главной темой искусства Малявина. Малявин_Бабы Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) «Портрет Ю. Е. Кустодиевой с сыном» 1904 Холст, масло. 56,3 × 54 см Борис Кустодиев — один из крупнейших русских художников первой четверти XX века. Ученик Ильи Репина, он именно в портрете впервые достиг художественной самостоятельности: постепенно отказываясь от академической строгости, Кустодиев всё больше внимания уделял цельности силуэта, крупным цветовым отношениям, свободе мазка и естественности позы. Кустодиев_Портрет_жены_с сыном «Портрет Ю. Е. Кустодиевой с сыном» относится к раннему и особенно важному периоду творчества художника. Перед нами жена Кустодиева Юлия Евстафьевна и их первенец Кирилл. Наклон головы матери и встречное движение ребёнка создают ощущение непосредственной эмоциональной близости. Свободные мазки, мягкие розовые, охристые и молочно-белые оттенки делают семейную сцену удивительно живой и камерной. Работа известна также как эскиз к картине «Утро» и позволяет увидеть Кустодиева ещё до формирования знаменитого красочного мира его ярмарок, праздников и купеческой России. Кустодиев_Портрет_жены_с сыном Кустодиев_Портрет_жены_с сыном Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион

Александр Владимирович Маковский (1869–1924) «На крыльце. Перед сбором крапивы» 1905 Холст, масло. 75,4 × 49 см Александр Маковский — русский живописец и график, продолжатель реалистической традиции передвижников. Представитель знаменитой художественной династии, он учился у Иллариона Прянишникова, Василия Поленова и своего отца Владимира Маковского, а позднее — в Париже у Фернана Кормона и в Петербурге у Ильи Репина. Маковский_А_На_крыльце_Перед_сб… «На крыльце. Перед сбором крапивы» — камерная жанровая сцена, в которой главным становится не бытовой сюжет, а сама героиня и её состояние. Лицо и руки крестьянки написаны точно и внимательно, тогда как одежда, деревянное крыльцо и окружающая растительность переданы значительно свободнее. Приглушённые кремовые, бурые и зелёные оттенки оживлены красными и оранжевыми акцентами. Работа относится к переходному этапу творчества Маковского, когда традиция передвижнического реализма постепенно соединяется у него со всё более свободной и самостоятельной живописью. Маковский_А_На_крыльце_Перед_сб… Маковский_А_На_крыльце_Перед_сб… Ознакомиться с другими работами, узнать подробности о лоте и принять участие в аукционе можно по ссылке #аукцион